Манипулирование светом всегда, во все времена было связано с психологией его воздействия на человеческое сознание. Именно свет, цвет, видение окружающих нас объектов – эстетические составляющие зрительного восприятия. У нас нет задачи особенно углубляться в психофизические представления о свете. Нам важно переложить все эти представления на взаимоотношения музыки, света и цвета. И особый акцент хотелось бы сделать на стилистике цветного сопровождения музыкальных композиций. Данное сопровождение по понятной причине не всегда уместно, например, довольно спорно говорить о цветном свете при камерном выступлении певцов или оркестров. Хотя современные представления в этом смысле сейчас ломаются. Начало экспериментам в области динамического светового сопровождения музыкальных композиций положил наш соотечественник А.Н.Скрябин. Его художественное решение симфонии «Прометей», написанной им в 1910-м, вошло в классику световой режиссуры и изучается студентами в музыкальных училищах мира. С тех пор осветительные сценические технологии развились, как, впрочем, и всякая техноёмкая отрасль, до удивительного совершенства. Практически любое творческое решение художники по свету могут воплотить на сцене, в архитектуре и интерьерах. Световое сопровождение музыки это, как правило, трансформация эмоциональных порывов художника, но основанная всё же на классических представлениях воздействия света на сознание зрителя. Теория тут безусловно присутствует. Театральная школа художников-осветителей существует уже довольно давно и имеет свою историю. Что же касается концертной и тем более клубной световой режиссуры, то ей не более полувека, а для нашей страны – и вовсе пару десятков лет. Но к началу нового века в России появились совершенно внятные специалисты, уже внесшие свой уникальный вклад в мировую культуру освещения. Конечно, поскольку школа отечественной современной светорежиссуры ещё слишком молода, перегибы в понимании этих тонких материй заметны. Именно по этой причине пока ещё не очень получается освещение российских городов, да и довольно простенькими выходят шоу-программы на концертных сценах. И связано это не только с нехваткой технических средств, а больше даже с традиционным отсутствием аккуратности. Но не будем обсуждать недостатки, о них и так напоминают слишком часто. Рассмотрим лучше, как всё-таки правильно – ну в самом общем понимании – светить на концертной сцене. Начало современной музыки можно датировать появлением культуры блюза, кантри и рок-н-ролла, которые стартовали где-то в 50-е годы прошлого столетия. Хотя надо сказать и никогда не забывать, что истинным прародителем всей современной музыки всегда был и остаётся джаз, а вот пик его развития приходится на 30-е годы XX столетия. Но мы же говорим о динамическом световом сопровождении музыки, а в 30-е годы – история об этом возможно что-то не договаривает – световое сопровождение джазовых концертов было довольно простым. И в этом состоит 1-е утверждение: чтобы художественное сопровождение концерта или любого другого сценического действия погружало нас в атмосферу времён, надо понимать истоки музыкального стиля. Классический джаз – это светлые, яркие, блестящие костюмы музыкантов, это атмосфера салонного раута, высокая контрастность – белый свет софитов, хромированные корпуса приборов и плавная мягкая смена сценических световых планов. Можно немного зеркальных шаров, немного смены цвета в планах. Этого достаточно. Не желательно переборщить, поэтому меньше экспериментов – джаз очень старый, ещё близок к театру и оперетте. Вряд ли в те времена были в моде перемещение лучей или смена масок в приборах, не говоря уже об использовании стробоскопов и лазеров. Удивляетесь, а ведь есть яркие примеры, когда можно увидеть на ресторанных сценах во время выступления джаз-банда такие «художественные решения» современных осветителей, что диву даёшься! Можно вспомнить старые записанные концерты оркестра Дюка Эллингтона (Duke Ellington) – свет очень лаконичен, всё направлено на акцентирование музыкантов, на их лица, на инструменты, солистов. Можно, конечно, возразить, что если бы в те времена были все необходимые технические осветительные средства, то на сценах происходила бы световая феерия. Однако можно и с уверенностью сказать, что это не так. Нужно учитывать темп того времени – несколько вальяжный, неторопливый, церемонный. Именно в глубоком понимании таких процессов и состоит умение владеть стилем. Если бы в 30-е годы были сканеры и стробоскопы, то, наверное, не было бы джаза, и тогда вся современная музыка развилась бы по совершенно иному сценарию. Вот главный вывод: световое сопровождение музыки, да и не только её, должно соответствовать всей мизансцене в данный момент. Очень простой пример: всем живущим в больших городах приходится периодически утолять голод в местах общественного питания, а много ли можно вспомнить мест, где музыка не мешала бы приёму пищи. Разве комфортно обедать, когда в динамиках (ещё есть вопрос качества звучания – тоже вещь тонкая) с эмоциональным надрывом поёт Михаил Шифутинский или тем паче выступает группа RAMMSTEIN. Многие весьма, кстати, талантливые люди писали свою музыку не для ресторанов и кафе. К сожалению, очень и очень часто об этом забывают. Иногда создаётся впечатление, что музыка звучит не для посетителей, а просто кто-то из официантов поставил песенку для себя, чтобы веселее работалось. Со светом такая же история: работа невпопад – слишком частое явление. Это только непрофессионалы могут пропустить такие явные ляпы, а тем, кто всю жизнь посвятил творчеству, бывает обидно за неуместное использование своих произведений. Прежде чем продолжить наши рассуждения, весьма не лишним будет ознакомиться со структурой развития клубной музыки стиля rock. Это развитие наглядно демонстрирует рис. 1. Не могу с уверенностью сказать, что эта классификация, компилированная по материалам зарубежных журналов, абсолютно точна, но изучение её всё-таки весьма полезно в понимании правил формирования светового сопровождения концертов или программ. Тут показана временная шкала от начала 50-х годов до конца прошлого века. Как развиваются все эти направления сейчас, спустя 7 неполных лет, информации нет. Приходится надеяться, что когда-нибудь кто-то из специалистов снова займётся подобным анализом. Итак, 50-е годы – расцвет классического rock-n-roll. Что же происходило на сценах тех лет в плане подсветки? Понятно, что никаких сканеров и стробоскопов ещё не было. Максимум – это диммерное управление статическими прожекторами. Смена цвета уверенно была. Никаких цветных и световых «излишеств» не наблюдалось. И хотя сам по себе rock-n-roll музыка активная, зрители «зажигали» пока только под «великолепные» звуки. В 60-е в роке начались сплошные эксперименты, стали появляться и ответвляться новые музыкальные направления. Возникли такие своеобразные стили, как art rock и psychedelic. И то и другое направления обобщены диаметральным своеобразием. Если 1-й стиль – это сценическое, театрализованное действие, насыщенное драматургией, то 2-й характеризуется протестными музыкальными структурами, сбитыми ритмами. Естественно, для усиления эмоционального впечатления свет должен уже играть не последнюю роль на таких концертах. Как же реализовать подобное освещение при скромном техническом обеспечении? Пока на концертных сценах царит театральный подход к освещению. Это значит чётко прописанная световая партитура и поплановое освещение сцены. Динамика состоит в основном в смене цвета и усилении или ослаблении освещённости (диммерение или включение осветительных приборов группами). Появляются первые проекционные системы (в театре они уже используются). Иначе говоря, rock-сцена тех лет – это проекция театра на массовую культуру. 70-е характеризуются, с одной стороны, «ужесточением» рока (heavy metal, hard rock), а с другой – приданием ему романтической мелодичности. Первое течение нуждается в совершенно иных способах подсветки, а второму ещё достаточно театральных принципов. Тяжёлый рок – это жёсткое, акцентное освещение в густых цветах (красном, синем), сверкающий металл, грубая кожа и т.д. Нужна таинственность, мистичность. Эмоциональный эффект отражён в необычности сценических костюмов. Появляются первые высокодинамичные осветительные средства, такие, например, как армейские стробоскопы. На сценах уже используются дымы, пришедшие из оснащения спецэффектов кинематографа. На сценах начинают использовать нестандартные решения в виде сварных конструкций или оформление в виде «бегущих огней» (гирлянды из ламп накаливания); музыкантов размещают на светящихся подиумах, в акцентах часто используется пиротехника. Романтика же застывает на классических театральных приёмах. В это время начинают появляться первые динамические осветительные приборы, пока управляемые аналоговым сигналом – огромные, неуклюжие и ненадёжные.Настоящий скачок в сторону применения высокотехнологичных средств освещения концертных сцен начался с появлением стиля disco в 80-е годы. В это же время массово развивается клубное движение. Появляются первые диджеи. disco – это светлое и радостное настроение, немного романтичности вперемешку с «забойными» ритмами. Яркие, порой даже вызывающие сценические костюмы. Музыкантов поддерживают танцевальные группы. Вся сцена залита постоянно меняющимся светом. Благодаря появлению disco-музыки динамическое осветительное оборудование начинает играть важнейшую роль в сопровождении концертов. Всё уже есть, даже сканирующие прожекторы и различные световые эффекты – пока с анимационной активацией, но интересные и мощные. Параллельно появляются такие альтернативные стили, как punk и dab – тяжёлые антиподы светлого disco. Используя новую осветительную технику, они уже учатся воздействовать на психику и подсознание зрителей. Особенно это подходит для замкнутых клубных пространств. Сами клубы этих направлений превращаются в единое интерактивное пространство. Ну и наконец наступают долгожданные 90-е. Этот исторический период можно считать рубежным в развитии современной музыки и её светового сопровождения. В городах проходят регулярные выступления музыкальных коллективов всевозможных направлений. Развивается фестивальное движение. В развитии не отстают и клубы. Осветительные приборы совершенствуются, приобретают современный вид. Разработан единый протокол управления осветительными системами DMX 512. Устойчиво работают профессиональные школы художников по свету, производится подготовка технического персонала. В освещении сценических и клубных пространств применяются определённые методы, чётко привязанные к определённому стилю музыки. Диджейская культура занимает своё устойчивое и признанное место в среде индустрии развлечений. Но самым главным остаётся умение придерживаться стиля, происходит осознание исторической важности развития всей современной музыки. Россия 90-х тоже пытается развиваться, но мы, увы, в это время отставали от мира не менее чем на 10 лет. Сейчас, уже в новом веке, всё выровнялось, и Россия не только догнала передовые страны, но и стала законодателем моды по многим позициям. Именно по этой причине сейчас стыдно уже допускать ошибки в световом оформлении сценических выступлений, поскольку обусловлено это только лишь некомпетентностью или элементарной мозговой ленью.
журнал "MusicBox" Текст: Алексей БИТУС
